Carta al Padre

Novias madrinas 15 años, BAFICI 2011

Mi terapeuta me dijo una vez, que uno se empieza a definir como hombre cuando habla de su padre. Los hermanos Levy hicieron lo propio y se calzaron los largos en la competencia nacional del 13º BAFICI. Gran debut a manos de un documental plagado de personajes exóticos rescatados de una sedería.
Entre paños y sedas se presentan los aparentes protagonistas, versátiles, divertidos y distintos entre sí. Cada cual, bien definido, le suma textura a la historia. Pero dentro de este docu-comedia-judía se esconde un fin kafkiano. Diego y Pablo Levy le filman una carta al padre. Los reproches y agradecimientos no vendrán en una larga factura manuscrita sino mediante las imágenes e historias de vida de sus personajes. Entre retazos de telas y anécdotas irán construyendo al padre. Al Negro, como le dicen. Una cámara tímida lo seguirá siempre desde abajo, como queriendo no molestar, reproduciendo el punto de vista del niño, del hijo. Una mirada llena de admiración y respeto. Una mirada con tanto respeto que no llega a involucrarse. Mantiene una distancia que no mantiene con los otros protagonistas. Se agiganta y mistifica la figura de “el negro”. A través de ellos ahondará en su carácter. Lo dictatorial y solidario, su fe y descreimiento, su humor irónico y su mal humor, su cara de culo y su… su cara de culo. También su visión de los hijos, el fracaso de no convencerlos de seguir con el negocio familiar y el orgullo de haberles dado todo para que pudieran ser lo que ellos quisieran. En fin, miles de aristas que forman a una persona escabullida en una vida de sedería.

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Un Mundo Errante

Escribiendo una nota sobre el film de Rodrigo Moreno me vi encerrado en frases estiradas, párrafos que no dicen nada y contenidos vacíos. Prácticamente estaba proyectando los tiempos muertos de la película en la crítica pero no como recurso estilístico. Y para que no se levanten de la computadora y se vayan sin leer la nota decidí hacer un punteo práctico y fácil para comprender éste, Un  Mundo Misterioso.

–         El tiempo: Eje de la película. El director reflexiona, experimenta y juega con su personaje, el espectador y las sensaciones de estados anímicos y malestares que el tiempo produce. Los interminables tiempos muertos, la estaticidad de los protagonistas, los planos sostenidos y la duración del film: todos recursos que suman al agobio temporal.

–         Tiempo como motor: El tiempo se transforma en espacio y el espacio en distancia. Y la distancia hay que recorrerla. Lo que a simple vista parecía anclar, en realidad destraba.

–         Viaje iniciático: Boris comienza un viaje en donde se redescubre. Sutil ironía de Moreno que su transporte sea un auto construido en un país ex Unión soviética de Europa del este. Encima es un Renault 6 rebautizado toskha. Se burla de la identidad, sus personajes no parecen tenerla, se manejan en un mundo falso, hipócrita. Todo es una farsa.

–         Bacilo Bressoneano: Como lo explicitó en la pantalla y confirmo en conferencia después de la función en el Atlas Sta. Fe, Robert Bresson infectó el estilo de la película. Es muy probable que se haya contagiado por Martín Rejtman, citado intertextualmente a través de  Ingrid (Rosario Blefari) también conocida como Silvia Prieto.

–         Autoconciencia: Hasta la médula. Desde el comienzo nos avisa mediante los diálogos de los personajes. Las primeras palabras que se dicen en la película son “Nos tenemos que tomar un tiempo”. Como Boris, el espectador queda perplejo sin comprender como se mide ese tiempo. Eso lo descubriremos durante el desarrollo. Otra referencia a su cine dentro del film es la escena en que los amigos se cruzan en la librería. “El autor del libro se toma ciertas libertades que no se tomó en su opera prima (…), mejor que sea en la segunda y no en la primera sino iba a terminar haciendo Best Sellers”. Moreno se despega de la imagen de El Custodio, y va por algo menos digerible para desgracia de nuestro colega de Escribiendo cine. O la frase “La novela comienza bien pero después se va perdiendo en detalles sin importancia y termina no pasando nada (…) ¿y el final? No sé, no pasa nada”. El que avisa no traiciona… 

–         Lo análogo: Dijo Moreno terminada la función que filmó toda la película en formato 1:1´37. El formato de las primeras películas, mucho más cuadrado, anti panorámico, anti LCD. La elección estética responde a un capricho. Quería que en la escena en que Boris fumaba un porro, al convidar todos le dijeran que no y que ese no, quedara fuera de campo y la única forma física de filmarlo era en ese formato. Paradójico es que en una película de casi dos horas donde se le da tanta importancia al tiempo, la escena más corta (dos minutos aprox.) defina los otros 118 minutos restantes. Lo cierto es que el formato exalta la sensación de ansiedad, encierro y rigidez de los personajes.

–         Conclusión: Pasado el primer tercio del film (el más dinámico y divertido) la película tiende a volverse demasiado distanciadora y el espectador comienza un duelo consigo mismo viendo cuanto dura sosteniendo la mirada en la pantalla antes de mirar para el costado a ver si su compañero de butaca lo sufre tanto como él. Más que un mundo misterioso Moreno nos presento un mundo errante en donde las ideas vagan sueltas y queda en uno anclarlas con nuestras mejores competencias posibles.


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Karin Idelson presents; 69 love songs

En Canción de Amor, la mirada y sobre todo el oído se posan sobre la vida cotidiana de los personajes del film. Se hace hincapié en la musicalización de sus tareas rutinarias. La particularidad y nexo entre todas las historias son las canciones de amor. Algunas en versiones exóticas, bastardas o adaptaciones de dudoso gusto.

La película empieza muy eufórica dando la sensación de que en la sala iban a terminar todos saltando y cantando las canciones arriba de las butacas, tal como Sergio Wolf, su presentador, arengó. Sin embargo, transcurrida la primera parte, el film baja su intensidad, cambia su ritmo y termina centrando la atención en los sonidos ambientales, que al principio parecían quedar relegados a un segundo plano sonoro. Eso no ocurre y los roles se invierten. Los ruidos urbanos acaban siendo la verdadera banda sonora de nuestras vidas, haciendo la base rítmica de esas canciones que escuchamos a diario.

Karin es fotógrafa y tiene muchos trabajos que respaldan su currículum. La influencia misma de la fotografía se nota en cada plano y cada encuadre del film. Por momentos demasiado estáticos y con primeros planos que nos aíslan del espacio no dejándonos tener una confiable noción del mismo y en consecuencia nos sumerge en el sonido flotante.

Canción de Amor trasciende su destino clippero y escapa al lugar común del documental de observación enlazando los fragmentos de ciudad orquestando sus ecos urbanos.

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La grilla paralela

Arrancó la 13º edición del maratónico festival de cine independiente y ya pudo sentirse en los alrededores del Abasto. El aglomeramiento de cinéfilos copando las escaleras del Shopping o merodeando el punto de encuentro BAFICI fueron las postales de un día agitado. Pero como no solo de Hoyts vive el hombre, me hice una escapada al auditorio donde se presentaba la XXIXº edición del concurso de cortometrajes George Méliès. Este concurso organizado por la embajada francesa reparte premios más que interesantes. El Primer Premio consiste en un pasaje a Francia con estadía por invitación del gobierno francés para la presentación del corto en el Festival Rencontres cinémas d’Amérique Latine de Toulouse. El 2° y 3º puesto se llevan tres latas de película virgen Kodak 16mm color, su revelado y transfer a video en Cinecolor y el 3º lugar.
El concurso impone una temática distinta año tras año. La del 2010 fue piscinas y su ganadora Piscis, de Brenda Urlacher. Un corto de gran despliegue técnico, generoso en tomas acuáticas que juguetean con las sombras. Estas que se pierden en la profundidad al mezclarse con un fondo abismal y luces que revelan fragmentos objetualizados del cuerpo de la protagonista. Urlacher crea una atmósfera cargada de rasgos poéticos.
Piscis fue presentado junto con Introducción a la electrología de Tomás Frontroth.
Introducción… cuenta una entretenida historia en stop motion sobre artefactos de cocina paranoicos. Efectiva, divertida, y por sobre todo muy bien narrada, nos hace acordar a Toy Story.
Ambos fueron aperitivos para los cortos en muestra que podrán verse en la grilla del festival.
Y si querés chusmear un poco más, acá te dejamos Introducción a la electrología y Piscis para que te diviertas un rato.

Piscis

Introducción a la electrología

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